En los últimos días hemos tenido el privilegio de ser recibidos, en su residencia de Italia, por Andrea Martis, artista propietario y custodio de una peculiar técnica pictórica única en el mundo, quien, por primera vez en al menos veinte años, ha accedido a conceder una entrevista y el acceso a su estudio a un periódico, eligiendo hacerlo con italiani.it. Este hecho, que además de halagarnos, podría generar efectos inesperados enactividad artística muy reservada, casi secreta, que el pintor nacido en Cagliari de padre sardo y madre romana con ascendencia belga había elegido para reservar, hasta hoy, a unos pocos elegidos.
Martis, de hecho, lidera desde hace treinta años una doble vida rigurosamente estructurada en la que, de día, es un director brillante y metódico de una de las más importantes compañías petroleras italianas (las Saras de la familia Moratti) mientras que, de noche, es un pintor atormentado, brillante e inalcanzable.
De hecho, son pocos los privilegiados admitidos en su estudio y a los que se les concede la oportunidad de apoderarse de un lienzo: entusiastas minuciosamente seleccionados a lo largo de los años, cuyas credenciales para poder afrontar la compra de un cuadro penden de la imprevisibilidad de la establecimiento de una condición emocional en torno a la obra misma. En breve, puedes tener una foto de él solo si resulta que ya te pertenecía.
Tras el breve interludio de un pequeño atelier que duró unos años, Martis decidió retirarse al campo donde instaló un estudio en el que poder aislarse.
Entre sus seguidores todavía podemos contar a los llamados personajes importantes: artistas, escritores, industriales, psicólogos, pero el pintor construyó un fuerte para mantenerlo alejado y alejándose de la lógica del mercado, para luego esquivar quirúrgicamente el mundo de las galerías y el sistema de cotización. La evaluación de un Martis es una cuestión de energía. Pero, como no es el valor económico de sus cuadros de lo que quiere hablar el pintor, por supuesto, le pedimos que nos cuente sus inicios.
Empecé a pintar por necesidad, como autodidacta, en 1993, después de los estudios clásicos, mientras estudiaba derecho.
¿Cuáles fueron tus modelos?
No puedo decir que tuve un maestro como modelo a seguir porque mi objetivo siempre ha sido encontrar una forma de expresión que me represente plenamente.
Por otra parte. He estudiado a fondo a muchos maestros de los que, por una u otra razón, me enamoré: Salvador Dali (el investigador del inconsciente), Kandinsky (el maestro del color y la construcción), Turner (el maestro de las intuiciones y de las mil revoluciones), Caravaggio, Pollock, Kiefer y muchos otros.
Y que buscabas en cada uno de estos, cual era tu emergencia, tu necesidad (como dijiste antes?)
Desde el principio traté de entender qué distinguía el arte de lo que no era, el arte de la artesanía. A partir de ahí comenzó una búsqueda que se ha prolongado durante casi treinta años. A lo largo de los años, me he convencido de que un "verdadero" artista y, en consecuencia, una "verdadera" obra de arte, siempre observa tres principios:
- El artista debe representar la época en la que vive
- El artista debe representarse a sí mismo y solo a sí mismo.
- El artista debe representar su propia idea de Sublime
El primer principio hará del artista una esponja, capaz de absorber todo lo que le rodea. La segunda condición hará al artista inequívocamente "original y único" como lo es todo ser humano. Además, esta habilidad, combinada con la primera, hará que el artista sea capaz de convertirse primero en un filtro y, finalmente, en uno especie de profeta (capaces de mostrar a los demás una nueva forma de ver las cosas y encontrar un camino). La tercera es la condición más intrínseca del art. Lo que, a través de la espiritualidad, la empuja a la perfección (ver "Lo espiritual en el arte" de Kandinsky). La que lo obliga a un vínculo indisoluble con lo divino y determina su función más íntima.
Hasta aquí está claro. Y comprendes el rigor con el que siempre has afrontado este camino. Me parece que la abnegación de estos preceptos se parece al camino del asceta...
Seguir estos tres preceptos conduce inevitablemente a la búsqueda de la verdad. (en sí mismos, en el mundo circundante y en algo superior). El único camino que le llevará a decodificar y desarrollar un nuevo código comunicativo que, en mi opinión, constituye el principal propósito de todo artista. Evidentemente en la pintura, y quizás no sólo en ella, la verdad se ve obligada a vérselas con la apariencia y la realidad. Como es bien sabido, cada época ha dado respuestas congénitamente diferentes a esta dicotomía y es quizás de estas diferencias de donde se originan las corrientes artísticas en las que muchos artistas se reconocieron y a las que, de vez en cuando, se adhirieron.
Conócete
Tu camino ha durado treinta años. ¿Cuáles son las pruebas a las que te has tenido que enfrentar?
En primer lugar, tener que conocerme a fondo. No dedicaré mucho tiempo a "Conócete a ti mismo"; no hay receta para este tema. Lo que importa es que a través de esta investigación lleguemos a tener una “Visión coherente” y un estilo que nos hace reconocibles, independientemente de la firma.
el tiempo presente
Luego, la comparación con el Tiempo presente. La investigación de nuestra época es uno de los elementos fundamentales para poder elaborar un nuevo código comunicativo y cumplir la función más íntima del arte.
Nuestra época representa una elevación algebraica respecto al fluir homogéneo de los siglos pasados...
Nuestra era es realmente muy diferente de todas las eras pasadas y, como tal, solo puede devolver obras de arte y respuestas profundamente nuevas y originales. En mi opinión, el momento actual se caracteriza por algunas peculiaridades totalmente nuevas:
- La teoría de la relatividad y otros descubrimientos científicos relacionados con la física
- Descubrimientos relacionados con la psicología
- La comunicación exasperada a través de la televisión y las redes sociales.
- Marketing aplicado a todos los aspectos de la vida
Los dos primeros, a los que nos enfrentamos desde hace al menos un siglo, han dejado una huella imborrable en nuestra cultura y nuestras creencias.
La combinación de ambos ha pulverizado cualquier principio absoluto y, con él, las posibles opiniones sobre las cosas. Además, al sustituir el sujeto por el objeto, ha fragmentado aún más las posibles "verdades", multiplicando las posibles dimensiones en la línea de la teoría de cuerdas. En términos pictóricos, de hecho, ha aniquilado el impresionismo (ligado al objeto) en favor del expresionismo (ligado al sujeto).
Posteriormente, la comunicación desesperada que se creó primero a través de la televisión y luego de las redes sociales, encontrando terreno fértil en los dos primeros puntos examinados, generó miles de millones de líderes de opinión (muchas veces vacíos de contenido), que nos llevan mucho más allá del optimismo de Andy Warhol (cada uno ha ganado mucho más que su sacrosanto cuarto de hora de fama).
Esto, desde mi punto de vista, ha generado lo que yo llamaría un caos sonoro y visual, un zumbido de fondo, lo que le impide escuchar claramente los mensajes más agudos e inteligentes.
Finalmente, el Marketing y su objetivo de crear necesidades innecesarias con el único fin de satisfacerlas, que aplicado a todos los campos de la vida humana (no menos importante a la política), ha generado neurosis de cualquier tipo, arrojándonos a una era de confusión ideológica difícil de gobernar.
El código comunicativo
¿Tu arte parte de estas premisas?
Il mio codigo comunicativo obviamente se construye sobre las premisas filosóficas anteriores. Así, pretendo representar la apariencia y lo real de nuestra época a través de obras que puedan destacarse en "Vistas" y "visiones". Los primeros se materializan, por ejemplo, en retratos o paisajes. En la práctica en todo lo que generalmente se considera real, pero que en realidad es sólo apariencia.
El sujeto pictórico que, dadas las premisas, sería mejor definir como objeto, se representa de forma casi fotográfica. Entre el objeto y el usuario, sin embargo, se interpone mi peculiar técnica (ese material rayado y movido) que pretende simular una especie de placa de vidrio, una membrana. En la práctica, una especie de filtro psicológico subjetivo que distorsiona el objeto.
El efecto se amplifica por el hecho de que la elección de colores casi nunca es perfectamente "realista". La combinación de las diferentes opciones termina dejando el espectador como suspendido entre una realidad aparente y una realidad subjetiva/psicológica.
En visiones, en cambio, queremos representar la Realidad (no aparente) tal como la percibo.
En estos lienzos, de hecho, se intenta traducir los aspectos mencionados anteriormente sobre nuestra época.
En consecuencia, será posible notar:
- zumbidos de fondo (imágenes que se superponen en varios niveles)
- Marketing (que propone imágenes aparentes -muchas veces guiños- para ocultar ulteriores motivos mucho menos nobles)
- Mensajes superpuestos que se contradicen entre sí
- Repetitividad obsesiva y neurosis
En este segundo tipo de obras, además, pueden aparecer otro tipo de materialidad, rayas y cromatismos. pueden aparecer al mismo tiempo figurativo y abstracto, como si fueran distintos tipos de comunicación que, superpuestos, perturban el entendimiento y los sentidos. Todo esto, por supuesto, hace que este segundo tipo de obras sea más conceptual que el primero.
También podría decirse que en mis obras están siempre presentes, como en la música, al menos tres niveles de construcción: ritmo, timbre y melodía. El uso de estos tres niveles, según se utilicen de forma única o contrastada entre sí, creará ese abanico de combinaciones comunicativas útiles para reproducir las asonancias o disonancias que nos propone nuestra época.
La misión que pretende alcanzar mi trabajo, al fin y al cabo, es representar las contradicciones de nuestro tiempo, los peligros que se esconden tras el mercado hipertrófico de la comunicación, la incapacidad de nuestro cerebro elaborar la enorme cantidad de insumos visuales y sonoros que nos impone nuestra sociedad y las neurosis que estos generan en nuestro cerebro. Frente a mi obra, por tanto, el espectador tendrá que enfrentarse un mar de símbolos, mensajes subliminales y manipulaciones marca donde esta el mensaje visible a menudo contradice el significado subyacente. A través de este camino podrá, por lo tanto, tratar de comprender mejor cómo las herramientas de la nueva comunicación pueden actuar sobre nuestros sentimientos, tratando de tencontrar la manera de emanciparse de ella.
información: GME@dhr-rgv.com